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Résumé des articles/abstracts of articles
P. 1. Tropes and Heliotropes: Writing the Feminine in Ulysses (V. Bénéjam).
Whilst the character of Gerty MacDowell is associated with the cheap scent of heliotrope, Joyce gives the more pungent opoponax as Molly Bloom's perfume. Besides representing the style of seduction each woman may display in Ulysses, both perfumes also illustrate the manner in which Joyce constructs his female characters, playing on stereotypes which can be either devastatingly ridiculed (Gerty), or accumulated in a maddening excess of contradictions (Molly). By producing such an impossible figure of a character as Molly Bloom, Joyce forces his readers into following a scent that will forever leave them frustrated and uncertain, thus ensuring their longlasting fascination for Molly Bloom and for the book at the end of which she can be heard. Since she appeals to male and female readers alike, neither of whom can ever reach the core (or the sex) of the character, Molly Bloom may well in the end represent, beyond the feminine, something of Blanchot's neutral gender.
Tropes et héliotropes: l'écriture du féminin dans Ulysses.
Tandis que le personnage de Gerty McDowell est associé au douceâtre héliotrope, Joyce attribue à Molly Bloom le parfum plus envoûtant de l'opoponax. Au-delà de ce qu'ils symbolisent du style de séduction de chaque femme, ces deux parfums illustrent aussi la manière dont Joyce construit ses personnages féminins, jouant sur des stéréotypes qui peuvent soit être la cible d'une ironie dévastatrice (comme c'est le cas pour Gerty), soit accumulés en un excès délirant de contradictions (comme pour Molly). La construction du personnage de Molly aboutit à une figure tellement impossible que les lecteurs suivent une trace qui les laissera à jamais frustrés et incertains, assurant par là même leur éternelle fascination pour Molly Bloom et pour le livre au terme duquel on entend sa voix. En séduisant également ses lecteurs hommes et femmes, dont aucun ne peut jamais toucher au cœur (ou au sexe) du personnage, Molly Bloom atteint sans doute, au-delà du féminin, quelque chose qui s'apparente au genre neutre décrit par Blanchot.
P. 17. Individuation through Contrast: the 'Heliotropic' Displacement of the Feminine Self in Doris Lessing's Four-Gated City (A.-L. Brevet). The feminine subject in Doris Lessing's novels appears through devices of repetition and variation; superimposed and contrasting perceptions tend to shape as well as modify the pattern of gendric selfhood. As a novel of education, The Four-Gated City relies on the introspective insight of third-person narration to chart the development of the Lessinian heroine Martha Quest. The figures of speech related to displacing, placing and replacing the feminine self are mainly to be found in parataxis. At a semantic level, the use of accumulation and contradiction prevails in the last volume of the Children of Violence sequence, where a cartography or mapping of the self is at work. A dis-location of the self is gradually made manifest as though the literary texture of identity were constantly being displaced in a manner which is reminiscent of the subject's wanderings from Southern Rhodesia to London. Either moving away from or returning to the African origin of the writer's vision, the 'heliotropic' inspiration of Lessinian texts creates a pattern or blueprint of personal topoi, alternately asserting gender and denying it.
L'individuation par le contraste: le déplacement "héliotropique" du moi féminin.
Le sujet féminin dans les romans de Doris Lessing se manifeste au travers de procédés tels que la répétition et les variations; la superposition de perceptions contrastées tend à donner forme ainsi qu'à modifier l'agencement générique de l'identité. En tant que roman d'éducation, The Four-Gated City est fondé sur la puissance d'introspection qu'apporte la narration dite à la troisième personne servant ici à cartographier le développement de l'héroïne lessinienne Martha Quest. Les figures de style en rapport avec le déplacement, le positionnement et le remplacement du moi féminin dans la fiction de Doris Lessing sont essentiellement en rapport avec la parataxe. Du point de vue sémantique, c'est l'utilisation de l'accumulation et de la contradiction qui prévaut dans le dernier volume de The Children of Violence, où se met en place une cartographie du moi. Il en ressort que l'individualité du personnage se disloque progressivement au sein d'une littérarité qui, par un continuel déplacement, rappellerait les errances de Lessing entre la Rhodésie du Sud et Londres. Qu'elle s'écarte ou retourne aux origines africaines de la vision autoriale, l'inspiration "héliotropique" des textes de Lessing recrée les motifs intriqués de topoi personnels, tour à tour dans l'affirmation ou la négation de son origine générique.
P. 31. 'Self-Portrait in the Act of Painting a Self-Portrait'. Tropes of Inspiration in Medbh McGuckian's Shelmalier (B. Faragô).
Classical metaphorical representations of inspiration can be both alien and alienating for a contemporary female poet. Medbh McGuckian's 1998 volume, Shelmalier, takes up the challenge of repossessing creation as a uniquely female act and of conceptualising inspiration in a way that deconstructs and then reconstructs its prevalent male-created metaphor of the muse. Rethinking the role of history and politics in the context of poetry she creates a metaphorical language which is aware of its own fragility and in its making reflects its own deconstruction. Rejecting the passive role of the traditional gendered muse-figure, she creates a variety of alternative metaphors where the unilateral relationship of female muse to male creator is replaced by a mutual interdependence of muse and artist, process and product, writing and interpretation. Through a close reading of certain poems, this article focuses on McGuckian's peculiar oscillation between historical and poetical realities and her conceptualisation of history as textual idiom, where the events of the past are freed from their rigid historical settings as a prelude to seeping into consciousness as lines of poetry.
'Autoportrait de l'artiste faisant son autoportrait.' Les tropes de l'inspiration dans Shelmalier de Medbh McGuckian.
Les représentations métaphoriques classiques de l'inspiration paraissent souvent étrangères, au point de l'exclure, au poète femme contemporain. Shelmalier, le volume de Medbh McGuckian paru en 1998, répond au défi de se réapproprier la création en tant qu'acte uniquement féminin et de conceptualiser l'inspiration de façon qui déconstruise et ensuite reconstruise la métaphore masculine de la muse. En repensant le rôle de l'histoire et de la politique dans le contexte de la poésie, elle crée un langage métaphorique conscient de sa propre fragilité et dont la facture reflète sa propre déconstruction. En refusant le rôle passif de la figure sexuée traditionnelle de la muse, elle crée une variété d'autres métaphores où le rapport unilatéral de muse féminine à créateur masculin est remplacé par l'interdépendance mutuelle entre muse et artiste, procès et produit, écriture et interprétation. Par l'analyse détaillée de certains poèmes, cet article se concentre sur l'oscillation étrange de McGuckian entre les réalités historique et poétique et sa conceptualisation de l'histoire comme idiome textuel, où les événements du passé se libèrent de leur emplacement historique rigide avant et afin de regagner la conscience sous forme de vers.
P. 45. "And her poor dog was howling": from Mrs Dalloway to Flush (M.-D. Gamier).
The following readings of Mrs Dalloway and Flush proposes to revisit the concept of "trope", particularly metaphor, from the angle of metamorphosis, an anexact trope nowhere to be found in manuals of rhetoric, because it belongs neither with the signifier nor with signifying: Woolf's texts are haunted by a permutative, plural writing, hosting a syllable-book of canine marks (or barks), which countersign, in the wake of her own proper-name, her "animal autobiography" (Derrida) as well as her 'becoming-animal' (Deleuze) through writing.
"And her poor dog was howling": de Mrs Dalloway à Flush.
La lecture proposée de Mrs Dalloway et de Flush revisite le concept de "trope", notamment la métaphore, du côté de la métamorphose, tropisme anexact non répertorié dans les manuels de rhétorique parce que ne relevant pas de la signifiance ni du signifiant: les textes de Woolf sont peuplés par une écriture permutatoire, un syllabaire ponctuée de traces "canines" et non-canoniques, contresignant, dans le sillage d'un nom propre, son "autobiographie animale" (Derrida), ainsi qu'un devenir-animal (Deleuze) par l'écriture.
P. 57. Peter Greenaway's Allegories, or The Ethics of Systems (L. Gasquet).
In his Preface to 100 Allegories to Represent the World, Peter Greenaway notes that the same archetypes come back again and again in literature, painting and the cinema. My goal is to show how the treatment of allegory allows Greenaway to question the nature of those systems which enable man to situate himself in the world. 100 Allegories to Represent the World incites us to wonder how a limited number of paradigms can claim to represent the infinite — an infinite which seems beyond representation. It is useful to scrutinize the presuppositions behind the techniques of listing, behind the apparently infinite inventories at the heart of the work of Greenaway. The activity of deciphering which the spectator is forced to engage in also raises the ethical question of the interpenetrability of works and systems, for both artists and viewers, throughout the ages. Critics seem condemned to an endless search for interpretations and rhizomatic associations: Greenaway apparently takes pleasure in provoking hermeneutic exercise, knowing that once it gets started it will be hard to stop. Finiteness, exhaustiveness, but also infinity are involved here: 100 allegories are represented, but innumerable themes are also implied. This corresponds to the paradox inherent in any normative system; such systems inevitably end up not undermining their own systematicity by engendering a proliferation of new objects not predicted by the system. By carefully constructing his 100 allegories, Greenaway underlines the paradoxical fatuity and impossibility of all efforts towards final definition or systematisation of the world or the world of thought. The study of Greenaway's Allegories reveals how the categories which structure our thought and perception are constantly constructed, deconstructed and reconstructed. In this way, all of our systems of classifications, even those which seem beyond all doubt — such as the oppositions between feminine and masculine or nature and culture — become problematic.
Les Allegories de Peter Greenaway, ou l'éthique des systèmes.
Peter Greenaway observe dans la préface de son ouvrage 100 Allégories pour représenter le monde que ce sont toujours les mêmes archétypes qui reviennent en littérature aussi bien qu'au cinéma ou en peinture. Mon objectif est de montrer comment le traitement de l'allégorie permet à Greenaway de questionner la nature des systèmes qui autorisent l'homme à se positionner au sein au monde qui l'entoure. 700 Allégories pour représenter le monde nous posent la question de savoir comment un nombre limité de paradigmes peuvent représenter l'infini, irreprésentable par essence. Il convient ici d'interroger les fondements de la mise en liste, de la tentative de recensement infinie omniprésente au cœur de l'œuvre de Greenaway. L'activité de décryptage à laquelle le spectateur est toujours convié bon gré mal gré pose également le problème éthique de l'interpénétrabilité des œuvres et des systèmes à travers le temps, à la fois pour l'artiste et pour la réception. Les critiques semblent condamnés à chercher sans fin des interprétations, à reconnaître des associations rhizomatiques: Greenaway prend apparemment un malin plaisir à mettre en marche la machine interprétative, sachant qu'elle aura beaucoup de mal à s'arrêter. Il est donc question de finitude et d'exhaustivité: cent allégories sont effectivement représentées, mais des milliers de thèmes sont convoqués. Il s'agit là du paradoxe de tout système normé et borné, qui finit nécessairement par ne pas pouvoir tenir ses promesses, et engendre une prolifération d'objets qu'il ne peut contrôler. Greenaway, en choisissant avec soin ses cent allégories, nous révèle paradoxalement la vanité et l'impossibilité de toute entreprise de définition, de systématisation des objets du monde et de la pensée. L'étude des Allégories de Peter Greenaway nous montre comment les catégories qui régissent notre perception et notre pensée sont construites, déconstruites et sans cesse reconstruites; dès lors toutes nos tentatives de classification, même les plus motivées et les plus indiscutables en apparence (féminin/masculin, naturel/culturel, etc) sont remises en question.
P. 75. Modem Ethics (C. Joubert).
Ethics, tropes, writing, the feminine: the Oxford conference's proposed tetrad of concepts and concerns provides us with a sagacious mapping out of the present critical situation in the Humanities, as it places the issue at the problematic point where the contemporary desire for a turn to ethics is seeking its articulation (break, denial, critical rethinking?) with the inherited conceptual history of the linguistic turn. The issue bears, plainly, on what is at stake in the conceptualisations of the relationship of value to language — and in the engaging of the literary, and the artistic, within that question. The Derridean framing of this issue indicates the persistence of the Kantian aesthetic within the concept of the trope, and therefore, inextricably, of the Kantian morals — and the paper aims at showing how another ethics of the artistic is possible, itself making possible a poetics of value that cultivates the criticality of ethics, against morality. Virginia Woolf's poetics of the "modern", impelled from a critique of the tropological view of art, is presented here in its full ethical — ethico-political, in fact — implications. Down to its precise political implications on the matter of the feminine.
L'éthique moderne.
Éthique, tropes, écriture, féminin: la tétrade conceptuelle posée comme programme du colloque d'Oxford propose une interprétation cartographique subtile de la situation critique contemporaine dans les sciences humaines, en plaçant la question au point problématique où le désir actuel d'un tournant éthique cherche son articulation (rupture, dénégation, relecture critique?) avec l'héritage conceptuel du tournant linguistique. La question porte au vif des enjeux produits par les conceptualisations de la relation entre valeur et langage — et par l'engagement du littéraire, et de l'artistique, dans le champ de cette question. Le cadre derridéen dans lequel elle est pensée marque la persistance de l'esthétique kantienne dans le concept de trope, et donc, indissociablement, de la morale kantienne. L'article cherche à montrer comment une autre éthique de l'artistique est possible, qui elle-même rend possible une poétique de la valeur, capable d'exercer la criticité de l'éthique — contre la morale. La poétique du "moderne" construite par Virginia Woolf à partir d'une critique de la vision tropologique de l'art est présentée ici dans ses pleines implications éthiques — éthico-politiques, plus précisément. Et jusque dans ses implications politiques concrètes sur le problème du féminin.
P. 91. The Waves: Writing the Feminine (S. Marret).
Virginia Woolf's narrative strategy was often understood as exemplifying feminine writing. The author herself undoubtedly contributed to this approach when she praised Dorothy Richardson for her invention of a "woman's sentence", in which some of the characteristics of her own style could be recognised. The Waves is usually considered as her masterpiece as regards her writing and narrative technique. However, a close reading of the novel rather leads to question the notion of feminine writing. Neither a feminist novel, nor a feminine novel, The Waves writes the feminine: it strikingly exposes the logic of sexuation as Lacan exposed it, but thus goes against the theoretical grounds of feminist readings.
The Waves: écrire le féminin.
La technique narrative de Virginia Woolf fut souvent tenue comme exemplaire de l'écriture féminine. L'auteur contribua indubitablement à alimenter cette perspective quand elle loua Dorothy Richardson pour son invention d'une "phrase féminine", dans laquelle on pouvait reconnaître certaines caractéristiques de son propre style. Toutefois, une lecture attentive du roman conduirait plutôt à interroger la notion d'écriture féminine. The Waves n'est ni un roman féministe, ni un roman féminin mais il constitue une écriture de la position féminine, selon la logique de la sexuation exposée par Lacan. En cela, le roman va à l'encontre des fondements théoriques des lectures féministes.
P. 103. "I am another woman": Tropes and the Metamorphoses of Gender Roles in Rebecca by Daphne du Maurier (S. Maurel).
Rebecca is often considered as a conservative novel where gender roles are concerned. The paper argues that some of the tropes in the narrator's tale tend to loosen the supposed fixity of gender positions. Thanks to its tropes, and mostly through the play of resemblance, the narrative becomes an ethical evasion of the reductions of gender and instigates the subversion of, or at least resistance to, identity logic. Through a study of some of the narrator's similes, the paper seeks to demonstrate that far from subscribing to the clichéd representations of woman that the novel seems to circulate, the narrator critically re-presents and re-stylizes such representations. Metaphor itself provides release from these crippling labellings. As a "synthesis of the heterogeneous", it blurs the boundaries between sameness and difference, deconstructing old polarities and removing the feminine from representational frames.
"I am another woman": tropes et métamorphoses de l'identité féminine dans Rebecca de Daphné du Maurier.
Rebecca est souvent considéré comme un roman conservateur en matière de représentation de l'identité féminine. Cet article essaie de démontrer que les tropes que la narratrice utilise déjouent la stabilité apparente de cette identité. Grâce à ses tropes et, plus particulièrement, grâce au jeu de la ressemblance, le récit crée une ouverture éthique dans le carcan des représentations de la femme et subvertit la logique de l'identité. En partant de quelques comparaisons, l'article montre que, loin de souscrire aux représentations de la femme que le roman semble véhiculer, la narratrice les re-présente de manière distanciée et les re-stylise. La métaphore, quant à elle, lui permet d'échapper à la clôture de ces représentations sclérosantes. En tant que "synthèse de l'hétérogène", la métaphore joue entre identité et différence, déconstruit les dichotomies et fait sortir le féminin du cadre de la représentation.
P. 115. A Philosophy of Magical Rhetoric. Notes on Jeanette Winterson's Dancing Lesson (F. Regard).
Drawing mainly on Derrida's reflections on magic in relation to the "operation of the feminine", this essay focuses on one particular passage in Jeanette Winterson's 1989 novel, Sexing the Cherry: the passage describing Fortunata's dancing lesson. I argue that Winterson's "feminine writing" plays on the force of magic, used here to question the fundamental set of distinctions on which the science of rhetoric traditionally grounds its expertise. The privileged form of subversion consists in articulating one trope on another so that no fixity of meaning is guaranteed. The language being thus put at play produces an effect of hesitation on the part of the interpreting reader, who is required to situate herself not on one or two sides, but on all sides at the same time, at a dizzying, magical speed.
Magie de la rhétorique. Lecture philosophique de la leçon de danse chez Jeanette Winterson.
S'inspirant principalement des travaux de Derrida sur la magie dans son rapport à "l'opération du féminin", cet article se concentre sur un passage précis du roman de Jeanette Winterson, Sexing the Cherry (1989), celui qui décrit la leçon de danse de Fortunata. L'idée défendue est que l'"écriture féminine" de Winterson joue sur la force de la magie, utilisée ici pour ébranler les distinctions fondamentales dont se nourrit la science de la rhétorique. La forme privilégiée de la subversion consiste à conjuguer les tropes de manière à menacer toute fixité de sens. Le langage mis ainsi en jeu produit l'hésitation de la lectrice, invitée à se situer non pas d'un côté ou de l'autre, mais de tous
les côtés à la fois, à une vitesse étourdissante, une vitesse magique.
P. 129. Maternal Ethics in A. S. Byatt's Still Life (P. Sardin-Damestoy).
This article focuses on A. S. Byatt's Still Life, a novel which tackles the traditional clash denounced by feminists opposing creation and procreation by seizing the disconcerting lethality contained in mothering. For paradoxically the ability to face death appears to be a way, according to Canadian writer and essayist Nancy Huston, of approaching creativity as it enables the author to incorporate the transgressive mode required by fiction. Furthermore, a parallel is drawn between this transgression of maternal ethics present in the diegesis and Byatt's writing technique which in this novel involves a mixture of genres and an oxymoronic style.
Éthique de la maternité dans Nature morte de A. S. Byatt.
Cet article prend comme objet d'étude Nature Morte, un roman de A. S. Byatt qui aborde le conflit classique que dénoncent les féministes entre création et procréation en soulignant la létalité déconcertante contenue dans la maternité. En effet, la créativité dépend, d'après la romancière et essayiste d'origine canadienne Nancy Huston, de la capacité à affronter la mort, car cette dernière permet à l'auteur de faire sien le mode transgressif nécessaire à l'écriture romanesque. En outre, un parallèle est fait entre cette transgression de l'éthique maternelle présente au niveau diégétique et l'écriture de Byatt qui s'appuie sur un mélange de genres et un style antithétique.
P. 145. Putting a Figure on It: Tropes, Metaethics and the Raw Feel of Gender (R. Shusterman).
This paper examines to what extent the experience of a trope is itself an ethical, metaethical and/or a gendered experience. The traditional theory of the non-translatability of metaphor and other figures has recently been used by A.E. Dyson of Oxford to demonstrate the ethical dimension of fiction. When we "put a figure on something" — the title itself includes, of course, a rather tortuous or "illicit" trope — can we be seen to be giving body to ethical insights that cannot otherwise be expressed? Dyson argues that moral import is not only communicated by the content of a literary work of art but also by actual operation of its figurative language. If the operation of the literary institution can be linked to a phenomenological dimension where the "raw feel" of language has its own ethical effect, then it might also be shown that these "qualia" relate ultimately to gender identity. We would thus have both an "ethics of tropes" and a gendered system of expression-reception based on what would seem to be a natural or physical foundation. However, the analysis of actual texts seems to suggest that there is no natural foundation for the transmission of qualia; literature cannot reproduce experience in that way, and the evaluation of the ethical content of fiction remains an ethical rather than an intrinsically literary or linguistic concern. There are indeed limits to what we can attempt to represent. But that is no reason for remaining silent, for not exercising the greatest powers of the mind.
Tropes, métaéthique et expérience de l'identité sexuelle.
On peut se demander à quel point l'expérience concrète d'un trope est en elle-même à la fois une expérience "éthique" (ou "métaéthique") et une expérience de l'identité sexuelle. Les spécialistes prétendent depuis longtemps que la métaphore et le figurai en général résistent à toute traduction; cette thèse fut le point de départ récemment d'une théorie innovatrice présentée par A.E. Dyson (Oxford). Selon Dyson, cette non-traduisibilité du figurai serait à relier à une dimension éthico-phénoménologique de la fiction: le figurai donnerait corps à des valeurs éthiques qui ne peuvent s'exprimer autrement. Dyson prétend que la portée morale d'une œuvre ne se situe pas uniquement dans le contenu diégétique; le figurai aurait sa propre efficacité éthique. Si la littérature peut être reliée ainsi à une dimension phénoménologique où l'expérience langagière elle-même produirait des effets éthiques, il se pourrait que ces données brutes (les "qualia") soient déterminantes pour l'identification sexuelle des textes. Nous aurions de la sorte une véritable "éthique des tropes" et un système sexué d'expression et de réception littéraire basé sur des fondements naturels inhérents au langage — fondements qui permettraient de distinguer le texte masculin du texte féminin. Toutefois, l'analyse d'un échantillon de textes semble suggérer que ces qualia ne passent pas par le langage: la littérature ne peut pas reproduire la phénoménologie de l'expérience dans son intégralité. En l'absence d'un lien direct entre phénomènes purement langagiers et questions éthiques, l'évaluation morale des œuvres n'a rien de mystérieux. Mais si la littérature ne peut tout représenter, il ne faut pas pour autant opter pour le silence.
P. 159. "Try thinking as if perhaps..." (S. Wood).
The article makes a risky claim: that literature offers the most advanced way of thinking about thinking. Thinking is examined in terms of various forms of necessity, contingent and absolute. The references include Derrida, Plato, Maria Torok and Freud. Elizabeth Bowen's fiction suggests thinking is a relational activity of finite beings, who cannot outthink necessity but may approach it blindly with love, as if it were a man or a woman. Tropes come into this from the first, although thinking is not simply a rhetorical exercise. The essay shows how anacoluthia, the trope of continuity and discontinuity, loves and resists necessity. The whole is written in the awareness that thinking doesn't necessarily come across — and that this dry fact cannot be disassociated from its pathos, effort, passion.
"Try thinking as if perhaps..."
L'article fait une proposition risquée: la littérature offre la manière la plus avancée de penser la pensée. La pensée est examinée dans la perspective de diverses formes de la nécessité, du contingent et de l'absolu. Les références incluent Derrida, Platon, Maria Torok et Freud. Les romans d'Elizabeth Bowen suggèrent que la pensée est une activité relationnelle des êtres finis, qui ne peuvent pas dépasser la nécessité mais peuvent l'approcher aveuglément avec amour, comme s'il s'agissait d'un homme ou d'unefemme. Les tropes en héritent dès l'origine, bien que la pensée ne soit pas simplement un exercice rhétorique. L'essai montre comment l'anacoluthe, le trope de la continuité et de la discontinuité, aime la nécessité et y résiste. La pensée n'est pas forcément communicable, réalité indissociable du pathétique, de l'effort, de la passion.